La Polipoesia es un movimiento poético fundado en Italia por Enzo Minarelli a mediados de los años ochenta.
La Polipoesia, tal y como traducción literal del término explica, son "muchas poesías" o múltiples maneras de interpretar un poema, ya que aplica al recitado simple de un poema disciplinas como la performance, el ruidismo, la distorsión o desfragmentación fonética, los medios audiovisuales, la Acción poética, la música y las nuevas tecnologías.La Polipoesia amplifica y es fiel a la vez a la Poesía Concreta, al Dadaísmo y al Futurismo. Desarrollando aspectos inéditos y posibilidades nuevas para la poesía puramente literaria o escrita. La poesía acontece sonora, gestualitzada, bailada, electrificada, interactuada e infinita.
Cada polipoeta desarrolla su estilo o marca personal al interpretar la poesía a través del filtro vocal, teatral, audiovisual, musical o tecnológico. De este modo, las posibilidades de difusión y de encuentro con el espectador de poesía son múltiples, polifacéticas.
Performance
Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.
El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.
La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.
- El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.
- La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.
- Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
- La performance tiene parentescos con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.
- El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.
Ruido-Noise
Noise (ruido en inglés) es un término usado para describir las variedades de música avant-garde y arte sonoro que pueden utilizar elementos como cacofonía, la disonancia, la atonalidad, el ruido, la indeterminación y la repetición en su realización. El Noise puede presentar distorsiones, varios tipos de ruidos acústicos o ser generados electrónicamente, señales electrónicas producidas al azar e instrumentos musicales no tradicionales. también puede incorporar grabaciones manipuladas, estática, silbidos y zumbidos, comentarios, Ruido de maquinas, software personalizado para producir ruido, instrumentos compuestos por circuitos, sonidos mecánicos y los elementos vocales no musicales que impulsan el ruido hacia el éxtasis.
El movimiento artístico futurista fue importante para el desarrollo de la estética del noise, como también lo fue el movimiento artístico Dadá (un ejemplo es el concierto Antisymphony realizado el 30 de abril de 1919 en Berlín), y más tarde, los movimientos artisticos surrealista y Fluxus, especialmente los artistas Fluxus Joe Jones, Tono Yasunao, George Brecht, Robert Watts, Wolf Vostell, Yoko Ono, Walter De María "ocean music", "Broken Music Composition" de Milán Knizak musical, LaMonte Young y Takehisa Kosugi.
Otros ejemplos de música que contienen características Basadas en el Noise son las obras de Iannis Xenakis, Karlheinz Stockhausen, Helmut Lachenmann, Cornelius Cardew, Theatre of Eternal Music, Rhys Chatham, Ryoji Ikeda, Survival Research Laboratories, Whitehouse, Cabaret Voltaire, Psychic TV, Blackhouse, Jean Tinguely con las grabaciones de sus esculturas sonoras (especialmente basculante VII), la música de Hermann Nitsch "Orgien Mysterien Theater", y los trabajos de La Monte Young en la década de 1960. Géneros como el techno industrial, industrial, y la música glitch emplean el noise. Generalmente el término es usado para referirse al conjunto de géneros, ya que la denominación pasa a criterio del artista.
Sus antecedentes se remontan al artista de música futurista Luigi Russolo, con sus máquinas de ruidos, y la creación del Manifiesto Futurista titulado "L'Arte dei Rumori" traducido como "El arte de los Ruidos" .
La banda The Velvet Underground, a principios de los 1960's, con su inusual estilo y su marcada diferencia con sus contemporáneos, puede catalogarse como pionera del noise rock, con sus álbumes The Velvet Underground and Nico y White Light/White Heat y el posterior trabajo de Lou Reed Metal Machine Music, una incanzable secuencia de feedback que inspiraría a músicos como Merzbow a incursionar en el noise.
Sonic Youth, icónica banda del noise rock, fue una de las bandas pioneras que utilizaron sonidos disonantes, guitarras preparadas, para derivar en un sonido único e inconfundible como lo constituye el noise rock.
Otro referente de esta música es Mike Patton, que tiene un disco en directo con Merzbow, cuya unión se llama Maldoror. La música noise no es ruido para sus oyentes, aunque es ruidosa en el sentido más general de la palabra.
Ver artículo principal sobre el Japanoise
Japón ha ofrecido muchos exponentes de este género, denominado japanoise, uno de los músicos más importantes, Masami Akita (conocido por su seudónimo artístico Merzbow) declaró que «Si por ruido (noise) nos referimos a un sonido incómodo, entonces la música pop es ruido para mí».
Otro exponente sería Hanatarash, liderado por Yamantaka Eye, cuyas presentaciones consistían enteramente en «destrucción en vivo», posteriormente Boredoms, orientado a un sonido más psicodélico con la misma tendencia noise. Algunos artistas destacados son The Gerogerigegege, Massona, The Incapacitants.
Generalmente se distingue entre el noise y el noise rock, el cual tiende a incorporar elementos algo más accesibles del rock (en particular del punk y el metal) a las cualidades abrasivas del noise, aunque la línea que los divide a veces no sea tan obvia.
Fluxus
Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional
Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“.Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según Filliou, es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine". Asimismo Filliou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready Made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano.
Fluxus en Alemania durante los años 60
Fluxus estaba dirigido a impactar en el público como una imitación de lo intrínsecamente vital. La complejidad de los conciertos Fluxus y la colaboración de artistas de la talla de Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y Charlotte Moorman desembocaron en interpretaciones que transmitían una visión muy especial e inconformista de la vida.Los conciertos Fluxus no son placeres auditivos de alta fidelidad y sintonía fina. No se produce una armonización acústica a través de unos bajos precisos, de unos tonos medios naturales y de tonos concomitantes cristalinos. Un concierto Fluxus es una experiencia auditiva en la que cualquier objeto, cualquier cosa se convierte en un instrumento. La autenticidad inconfundible de los conciertos Fluxus y la pasión y el poder innovador de los artistas supusieron un cambio profundo en la expresión del arte. Esta evolución artística, incitada por el presente y dirigida hacia el futuro, creó la noción de que cada individuo constituye una obra de arte en sí mismo y que la vida se puede entender como una composición artística global. Los atributos singulares de los conciertos Fluxus y la libertad en los arreglos son un reconocimiento a la causalidad, en la que se desvanecen tanto la causa como el efecto y en la que el caos acuña su marca indeleble sobre la realidad.
De ese modo, Fluxus incide en la sociedad desde el punto de vista sociológico y psicológico y se convierten en un elemento de comunicación. El aura de excentricidad que envolvía a los artistas del movimiento Fluxus era expresión íntima de sus diferentes personalidades y caracteres y no respondía a una moda pasajera. Beuys, Vostell y Paik fueron forjando su mito en Renania. Un mito alentado en parte por su desarrollo del Videoarte.
Si se contempla la evolución de los mercados de arte internacionales desde los años 70 del siglo pasado hasta la actualidad, se dará uno cuenta de la influencia tan diversa del movimiento Fluxus, Happening y del Videoarte. La estructura y la expresión artísticas plasmadas en muchas obras de arte contemporáneo expuestas en galerías, rinden inintencionadamente un homenaje a aquellos pioneros del Happening, del Fluxus y del Videoarte que revolucionaron el arte durante los años 60.
Haro Lauhus inauguró su galería en 1961. El Museo Municipal de Wiesbaden acogió la primera manifestación oficial del movimiento Fluxus en Alemania-FLUXUS, Festival Internacional de la Nueva Música del 1 al 23 de septiembre de 1962. En 1963 Rolf Jährling inauguró en Wuppertal la Galería Parnass. En 1966 Valdis Abolins inauguró en Aquisgrán la Galería Aachen. En 1969 Helmut Rywelski y Angar Nierhoff presentaron en su Galería Art Intermedia en Colonia la escultura de Wolf Vostell Ruhender Verkehr-Tráfico Bloqueado. En 1970 Inge Baecker inauguró su Galería Baecker en Bochum y René Block la suya en Berlín. Todos ellos han promocionado y apoyado a los artistas del movimiento Happening y Fluxus, permitiéndoles plasmar esa evolución artística que conmocionó la sociedad de la década de los 60 y cuya influencia se percibe hasta la actualidad.
